(Version française au bas de la page)
3 weeks ago, I had the surprise to find in my mailbox, a courriel from Michael Ernest Sweet. If you follow my Blogs, you know that I really love his work on “The Human Fragment“. I wrote a Blog a year ago when MES stated that he was quitting Street Photography. Well guess what ? He’s back. Kind of … His mail was a response to my Blog written 12 months ago. A very happy surprise. He gave a very insighful interview to Tim Huynh and I urge you to go and read it if you hadn’t already read it (here). Michael accepted to talk with me about his most recent work. Some thoughts on the Ricoh GRD IV, on the Harinezumi camera, on his artistic vision of the medium. Come take a ride with him !
I got in touch with you a year ago about your book « The Human Fragment ». I bought a while after you latest book « Coney Island ». I must say that I was kind of confused when I first read it. This book has some lineage with your « Human Fragment » but is also really different. Can you tell us what was your motivation when you started this project in color ?
Michael Sweet’s Coney Island is a “happenstance” book. Much like all of my photography. I work with a camera, a scene, an idea, a time, a place – the confluence of all of these factors is what “makes” or, perhaps, “breaks” my work. The work in that book could never be made again. Believe me, I’ve tried. People at Coney Island are really, really guarded now (perhaps I am to blame) and they just won’t let you hover over them with a camera like that anymore. Additionally, the Harinezumi camera is extinct. Sure, I still have one, but you get my meaning here – soon they will fall out of existence. Indeed, I don’t have that particular one anymore and each Harinezumi is different – produces a different look. At the time, with that particular camera, in that particular place, I had a vision to make these weird, high-contrast, saturated “fun house” photographs of these very unique people that hang at Coney Island. It worked. I got lucky, that time !
You used a japanese toy camera for this project. I went to see what it looks like. I wanted to know if it was an analog or digital one as the rendering of the photographs reminds me of the film era. Why have you chosen this camera instead of the Ricoh GRD IV which was used for « Human Fragment » ?
As I alluded to above, I use different cameras at different times to produce different work with dissimilar looks. I believe photographers can dominate their cameras, but I also believe, to an extent, that cameras dominate their users also. I could not have produced the work in The Human Fragment with the Harinezumi camera, or an iPhone or a Leica M. I don’t believe anyone could pick up a Ricoh GR and make that work, but that does not mean that the camera was not an essential element in my doing so. It was, very much so. I worked off the energy of the Ricoh to produce that body of work. The photographs in that book are stealthily produced – an ideal project for a camera that has zero shutter lag. The newer Ricoh GRs are a different story; they have big sensors and lack the older hybrid focus system, but the old Ricoh GRD IV was a street legend. Here is another example of a body of work that came into being as a result of a confluence of factors, one of which is an extinct camera.
Do you still have a Ricoh GRD IV ?
Yes, I still have a Ricoh GRD IV, but when I take to the streets to try and make that work it just doesn’t happen. The time and place are different, I am different, and although I still have one of the same ingredients – the camera – the recipe can no longer be made. I’m okay with working this way. It pushes me forward into new things. I don’t want to be that photographer who made the same work all his life. I think making work with a strong signature is key to success as an artist, but that signature can change from time to time. What you need is distinct bodies of work, or distinct “periods”. But I never aimed to make the same work forever. These unique cameras and their limited lifespans is one factor that helps to ensure I don’t get caught up in this trap.
Let me go back one more time to « Human Fragment ». The pictures composing this book are in B&W and have a direct echo to the Street Photography scene. « Coney Island » is really different not only because it’s in color. The intent is more artistic. What was the approach ? Where you looking for something different ?
If you Google me you’ll see that I am labeled as a photographer (and a writer). Those labels have come out of the work that I have produced that has stuck around in the public mind. The Human Fragment was a very successful photography monograph for modern times. It’s gone into a second printing. Additionally, Brooklyn Arts Press is a highly regarded press and that helped too. At any rate, the point is that I am now known for that book. Most people don’t know about Michael Sweet’s Coney Island, for example. Or the many other books I have written or edited, which number in the dozens (most are not photography). As a result of this books success, for which I am eternally grateful, I am now a “photographer”. But that’s not really an accurate label. I am an artist. I paint, for example. I also write poetry. I have made statues out of steel and I have appeared in a TV movie (as an actor). I’ve written a philosophy on the imagination and it’s use in effecting social justice. I don’t say any of this to brag, just to illustrate that I am not married to photography. Photography just happens to be the thing that stuck, so far, and so I am now a “photographer”. Now for a more direct answer: I think that my multifaceted approach to “art” is more apparent in this body of work. I am not just make photographs here. I am abstracting life, using the camera as a tool to do so. Those images are photographs and not photographs all at once. I am always looking for something different. I like to push boundaries.
Lately you’ve been sharing some stuff on your Instagram feed. Seems that you’re exploring some new territories using photography for some artistic purposes. Can you tell us more about that ?
Yes, indeed. Although I only shared that work briefly. I decided to not leave it on Instagram, as I am not sure yet where it is all going. Part of me wants to produce a new book with that work, but producing a photography monograph and then promoting it is a lot of work. My publisher is fantastic, but he does not allow one to just publish books and then sit back and forget about them. That said, I think I am too busy with other things in life right now to pursue another book. At the same time, I don’t want to reveal everything just now on Instagram. I will continue to show some of the work, as I like to get feedback and feel out how people are reacting to the work, but I also like that it is still somewhat private right now also. The idea in this new work is to explore lofi black and white photography that is rife with blur and distortion and then work it over with a digital paintbrush. The paintbrush adds a little color. I use only primary colors in this series – red, yellow, blue. Hence the working title for these photographs – Primary Colors. I think what I am doing here, in this new body of work, is pushing those boundaries between fine art and photography even further. Is it a photo? Is it a drawing ? Is it a hybrid ? Does it matter?
What do you mean ? Are the photographs shared sketches or is it the project you’re working on a draft ?
This current project is a draft, so to speak. I am testing the water to see how people react to the work. I am also testing to see how I like the work, both the process of making it and living with it.
The photographs remain in monochrome and you highlight with a paintbrush with a unique color some parts of the photo. Is there a message behind this or is it just done instinctively.
I think both is true. There is a high degree of instinct or even randomness present in the work. I also aim to send a message at times too, but not always. Some of the messages are more serious than others too. It’s all very haphazard and by chance, as is much of my work. I don’t take anything about photography too seriously.
I recently asked to a friend of mine how does he feel about your latest work. He told me that he wasn’t mesmerized, but it’s interesting because it’s refreshing and new. I feel the same. What I particularly like here is to try to understand the vision of the artist. Are you not afraid to confuse your audience ?
I never aimed to mesmerize anyone. I make art that pleases me. Right now I am having a lot of fun with this format. I like the whimsical nature of sketching over the images. I cannot always make the same work. I get it that people really like the style that I presented in The Human Fragment, but I cannot just make that kind of photograph for the rest of my life. That look is not interesting to me anymore. At least not right now. Maybe one day I will return to it, or maybe not. I cannot pander to an audience. I just make photos and if someone else likes to look at them that’s great. If not, that’s fine too. I know this current work may not appear to serious or too “professional” and that is exactly right. It isn’t and it’s not supposed to be. There’s plenty of serious photography in the world.
BIO:
Michael Ernest Sweet is a Canadian writer and photographer. He is the author of The Human Fragment, among other books, as well as a recipient of both a Prime Minister’s Award and the Queen’s Diamond Jubilee Medal for significant contributions to Canada in the field of arts and education. Michael lives in New York City.
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Michael Ernest Sweet’s Primary Colors.
Il y a 3 semaines, j’ai eu la surprise de trouver dans ma boîte mail, un courriel de Michael Ernest Sweet. Si vous suivez mes blogs, vous savez que j’adore son travail sur “The Human Fragment“. Il y a un an, j’ai écrit un blog lorsque MES a déclaré qu’il quittait la scène Street Photography. Bien devinez quoi ? Il est de retour. En quelque sorte … Son mail était une réponse à mon blog écrit il y a 12 mois. Une très bonne surprise. Il a donné une interview très intéressante à Tim Huynh et je vous invite à aller la lire si vous ne l’avez pas déjà fait ici. Michael a accepté de parler avec moi de son travail plus récent. Quelques réflexions sur le Ricoh GRD IV, sur la caméra Harinezumi, sur sa vision artistique de la photographie.
Je vous avais contacté il y a un an à propos de votre livre «The Human Fragment». J’avais acheté quelque temps après votre dernier livre «Coney Island». Je dois dire que j’étais un peu déboussolé lorsque je l’ai lu pour la première fois. Ce livre a des points communs avec «The Human Fragment» mais est aussi très différent. Pouvez-vous nous dire quelle était votre motivation lorsque vous avez lancé ce projet en couleur ?
Coney Island, de Michael Sweet, est un livre sur le “hasard”. Tout comme toutes mes photographies. Je travaille avec un type d’appareil, une scène, une idée, un temps, un lieu – la confluence de tous ces facteurs est ce qui «fait» ou peut-être «brise» mon travail. Le travail dans ce livre ne pourrait jamais être fait à nouveau. Croyez-moi, j’ai essayé. Les gens de Coney Island sont vraiment très vigilants maintenant (peut-être que je suis à blâmer) et ils ne se laisseront tout simplement pas photographier aussi aisément de la sorte. De plus, le Harinezumi n’est plus produit. Bien sûr, j’en ai toujours un, mais vous comprenez mon sens, ils vont bientôt disparaître. En effet, je n’ai plus particulier le modèle qui a servi pour ce projet et chaque Harinezumi est différent – produit un rendu différent. À l’époque, avec cet appareil photo particulier, à cet endroit particulier, j’avais une vision pour faire ces photos étranges, contrastées et saturées de «fun house» de ces personnes uniques qui traînent à Coney Island. Ça a marché. J’ai eu de la chance, cette fois !
Je suis allé voir à quoi ressemblait cet appareil photo sur internet. Je voulais savoir si c’était un appareil analogique ou numérique, car le rendu des photos me rappelle l’époque du film. Pourquoi avez-vous choisi cet appareil photo à la place du Ricoh GRD IV utilisé pour «The Human Fragment»?
Comme je l’ai fait allusion ci-dessus, j’utilise différents appareils photos à différents moments pour produire des travaux différents avec des looks différents. Je crois que les photographes peuvent dominer leur matériel, mais je crois aussi que les appareils photo dominent également leurs utilisateurs. Je ne pouvais pas produire le travail dans The Human Fragment avec le Harinezumi, ou un iPhone ou un Leica M. Je ne pense pas que quiconque puisse prendre un Ricoh GR et faire la même chose qu moi, mais cela ne signifie pas que l’appareil photo n’était pas un élément essentiel dans ma démarche. Ça y était pour beaucoup. J’ai travaillé avec l’énergie du Ricoh pour produire ce corpus. Les photographies de ce livre sont produites de manière furtives – un projet idéal pour un appareil photo qui n’a aucun lag lors du déclenchement. Les nouveaux Ricoh GR, c’est une autre histoire. Ils ont de gros capteurs et n’ont pas le système d’autofocus hybride des plus anciens, mais l’ancien Ricoh GRD IV était une légende de la rue. Voici un autre exemple de travail qui a vu le jour à la suite d’une convergence de facteurs, l’un d’entre eux étant un appareil photo désormais plus produit.
Avez vous toujours un Ricoh GRD IV ?
Oui, j’en ai toujours un, mais quand je sors dans la rue pour essayer de faire ce que j’ai réalisé avec The Human Fragment, je n’y arrive tout simplement plus. L’heure et le lieu sont différents, je suis différent et même si j’ai toujours l’un des mêmes ingrédients – l’appareil photo – la recette ne peut plus être faite. Je suis d’accord pour travailler de cette façon. Cela me pousse à avancer dans de nouvelles choses. Je ne veux pas être ce photographe qui a fait le même travail toute sa vie. Je pense que faire du travail avec une signature forte est la clé du succès en tant qu’artiste, mais cette signature peut changer de temps en temps. Ce dont vous avez besoin, ce sont des corpus de travail distincts ou des «périodes» distinctes. Mais je n’ai jamais voulu faire le même travail pour toujours. Ces appareils de photo uniques et leur durée de vie limitée sont un facteur qui contribue à éviter que je sois pris dans ce piège.
Permettez-moi de revenir une fois de plus sur «The Human Fragment». Les images composant ce livre sont en noir et blanc et ont un écho direct avec la scène Street Photography. «Coney Island» est vraiment différent non seulement parce qu’il est en couleur. L’intention est plus artistique. Quelle était l’approche ? Étiez vous en quête de quelque chose de différent ?
Si vous faites une recherche sur Google, vous verrez que je suis étiqueté en tant que photographe (et écrivain). Ces étiquettes sont issues du travail que j’ai produit et qui est resté dans l’esprit du public. The Human Fragment était une monographie de photographie très réussie pour les temps modernes. Il est entré dans une seconde impression. De plus, Brooklyn Arts Press est une presse très appréciée et qui m’a aussi aidé. En tout cas, le fait est que je suis maintenant connu pour ce livre. La plupart des gens ne connaissent pas Coney Island de Michael Sweet, par exemple. Ou les nombreux autres livres que j’ai écrits ou édités, qui se comptent par dizaines (la plupart ne sont pas relatifs à la photographies). À la suite du succès de The Human Fragment, pour lequel je suis éternellement reconnaissant, je suis maintenant un «photographe». Mais ce n’est pas vraiment une étiquette précise. Je suis un artiste. Je peins, par exemple. J’écris aussi de la poésie. J’ai aussi réalisé des statues en acier et je suis apparu dans un téléfilm (en tant qu’acteur). J’ai écrit un essai philosophique sur l’imagination et elle sert dans le domaine de la justice sociale. Je ne dis pas tout ça pour me vanter, mais juste pour illustrer que je ne suis pas marié à la photographie. Il se trouve que la photographie est la chose qui est restée, et je suis maintenant un «photographe». Maintenant, pour une réponse plus directe : je pense que mon approche multiforme de «l’art» est plus évidente dans ce livre. Je ne fais pas que faire des photos ici. J’isole des moments de la vie, en utilisant la caméra comme un outil pour le faire. Ces images sont des photographies et non des photos à la fois. Je cherche toujours quelque chose de différent. J’aime repousser les limites.
Dernièrement, vous avez partagé des nouvelles photographies sur votre feed Instagram. Il semble que vous explorez de nouveaux territoires en utilisant la photographie à des fins artistiques. Pouvez-vous nous en dire plus à ce sujet ?
Oui en effet. Bien que je n’ai partagé que brièvement ce travail. J’ai décidé de ne pas le laisser sur Instagram, car je ne suis pas encore sûr que ça fonctionne encore. Une partie de moi veut produire un nouveau livre avec ce travail, mais produire une monographie photographique et en faire la promotion est un travail considérable. Mon éditeur est fantastique, mais il ne permet pas de publier des livres et de les oublier. Cela dit, je pense que je suis trop occupé avec d’autres choses dans la vie en ce moment pour me lancer dans un autre livre. En même temps, je ne veux pas tout révéler sur Instagram. Je continuerai à montrer une partie du travail, car j’aime recevoir des commentaires et sentir comment les gens réagissent au travail, mais j’aime aussi le fait que ce soit encore un peu “privé” actuellement. L’idée dans ce nouveau travail est d’explorer la photographie noir et blanc lofi qui est en proie au flou et à la distorsion, puis de travailler avec un pinceau numérique. Le pinceau ajoute un peu de couleur. Je n’utilise que des couleurs primaires dans cette série – rouge, jaune, bleu. D’où le titre de travail pour ces photographies – Primary Colors. Je pense que ce que je fais ici, dans ce nouveau corpus, est de repousser encore plus loin ces limites entre le Fine Art et la photographie. Est-ce une photo ? Est-ce un dessin ? Est-ce un hybride ? Est-ce que ça importe ?
Que voulez-vous dire ? Les photos sont-elles juste des esquisses ou est-ce le projet lui même ?
Ce projet en cours est une ébauche, pour ainsi dire. Je prend la température pour voir comment les gens réagissent au travail. Je teste également pour savoir si j’aime le travail, à la fois le process de fabrication et la vie avec.
Les photos restent en monochrome et vous mettez en valeur avec un pinceau d’une couleur unique certaines parties de la photo. Y a t-il un message derrière cela ou est-ce juste fait instinctivement.
Je pense que les deux sont vrais. Il y a un haut degré d’instinct ou même de hasard dans le travail. Je souhaite également envoyer un message parfois aussi, mais pas toujours. Certains messages sont plus sérieux que d’autres. C’est très hasardeux, un peu comme beaucoup de mon travail. Je ne prends pas au sérieux la photographie.
J’ai récemment demandé à un de mes amis comment il réagissait à votre dernier travail. Il m’a dit qu’il n’était pas fasciné, mais c’est intéressant parce que c’est rafraîchissant et nouveau. Je ressens la même chose Ce que j’aime particulièrement ici, c’est d’essayer de comprendre la vision de l’artiste. N’avez-vous pas peur de déboussoler votre public ?
Je n’ai jamais voulu hypnotiser personne. Je fais de l’art qui me plait En ce moment, je m’amuse beaucoup avec ce format. J’aime la nature fantaisiste de dessiner sur les images. Je ne peux pas toujours faire le même travail. Je comprends que les gens aiment vraiment le style que j’ai présenté dans The Human Fragment, mais je ne peux pas faire ce genre de photo pour le reste de ma vie. Ce regard ne m’intéresse plus. Au moins pas maintenant. Peut-être qu’un jour j’y reviendrai ou peut-être pas. Je ne peux pas plaire à un public. Je fais juste des photos et si quelqu’un d’autre les regarde, c’est génial. Sinon, ça va aussi. Je sais que ce travail actuel peut ne pas sembler sérieux ou trop «professionnel» et c’est tout à fait exact. Ce n’est pas et ce n’est pas censé être. Il y a beaucoup de photographies sérieuses dans le monde.
BIO:
Michael Ernest Sweet est un écrivain et photographe canadien. Il est l’auteur de The Human Fragment, entre autres, ainsi que récipiendaire d’un prix du premier ministre et de la médaille du jubilé de diamant de la reine pour ses contributions importantes au Canada dans le domaine des arts et de l’éducation. Michael habite à New York.
As always an excellent interview, well done to you both. I did in fact google Michael and can confirm that he is, despite what he says, a photographer…google said so! Seriously, I had a look through some of the earlier work as mentioned and it is very impressive. Appears as though a kind of pinnacle was reached as far as Street Photography is concerned and it was time to move on. This latest project is fascinating, I know Klein did something similar with contact sheets, but this is different from that, it’s so hard to produce something unique in art or photography, kudos to Michael.
Cheers. John.
His earlier work is stunning and It’s very interesting to know about his process and also to to understand his artistic intent. That’s what separate artists and people like me only doing Street Photography. We’ve arlerady discussed of that. We are not artists. We sometimes capture things in an artistic way but that doesn’t make us artists. It’s not being humble, but I consider myself just as a witness of a future bygone period. Nothing more.
His latest work is confusing at first glance because I didn’t expect this kind of work. But as I said, it’s very refreshing and I’m looking forward to see where this project will end.
I don’t believe photographers are artists, well I know I’m not. I’m just someone who documents with a camera. Michael, it appears, is an artist who uses a camera, photography is just one medium with which to express himself. Anyway, judging by his early work he’s a bloody good photographer!
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